中央音乐学院副院长周海宏：“李云迪先生，多练练琴。”
郎朗在感知、审美、表现三个艺术层次处于巅峰。李云迪练琴太少。
先上结论：
1：喜欢李云迪和马克西姆的人，是从他们颜值的非音乐审美角度递进，进而喜欢他们的音乐，而非是因为音乐本身的内容而喜欢；这种现象叫审美主体的非审美需求。
2：郎朗已经成为了古典钢琴圈中活着的李斯特，而李斯特是人类钢琴技术的巅峰。在李斯特之后，人类钢琴技术没有丝毫进步。
人类对于艺术的好坏评价，并非是全部由艺术审美需求构成，而是由艺术审美需求和非艺术审美需求两部分构成。
前者是专业性，需要较高音乐素养。后者是大众性，需要的是颜值、故事、性感等等能够影响大众观赏性的因素。
音乐审美需求具体如下：
这一张表，来自中央音乐学院副院长周海宏的《音乐审美心理认知》课程之中的音乐审美模块，在具体的课程12.1。
这将是我们来评价郎朗和李云迪的核心标准，具体评价放在下文。先对非艺术审美进行简单阐释：女子十二乐坊；
一个以流行音乐形式来演奏中国音乐的乐团，在海外获得了大举成功。她们就是女子十二乐坊。女子十二乐坊的众多成员，都是来自于中央音乐学院等一线音乐产地。
当女子十二乐坊在海外声名鹊起，盆满钵满后，重新回到了母校中央音乐学院演出。结果这一场演出，大跌眼镜，惨淡收场。
女子十二乐坊，这些曾经中央音乐学院的学生历史上取得的所有成功，在这个院里都起不到任何作用。
如果你看过他们的演出，就知道他们的表演核心并不在乐器和音乐上，而是不断扭动的身体，增加曲线美的商业性演出。说白了就是好看，就是一群好看的美女为你载歌载舞。
他们的专业性，处于一个吃老本的状态。因为流行音乐对于乐器的使用范畴，实在是太过狭窄。何况十二个人。
这种非艺术因素，他们开拓得十分顺畅，在海外大受欢迎。但是唯独在中央音乐学院不行。
这里的学生和老师的审美，要听的是专业性和艺术性。身子再曼妙，都比不上一个完美的音色听觉来得愉悦。
从这个角度出发，能够解释部分李云迪的水准：李云迪的商业性中，他容貌的价值大于他钢琴水准的价值。
也能部分解释，为什么大众认为李云迪很牛，而认为郎朗是个小丑。
因为他们不具备音乐审美的专业性，而被非专业性审美的大众心理需求左右。这一切的源头，都在于李云迪比郎朗长得好。
如果说李云迪是一个侏儒，长得歪瓜裂枣，便不会有这样的争论。
按照上表，音乐审美分为三个大的分类层次：感知层次、审美层次、表现层次；
1：感知层次；音色听觉的可接受度。欣赏古典钢琴的门槛。
钢琴音乐越流行化，接受度越高，内容越简单，艺术性越低，话语权越少，越容易被时代遗忘。简单说，感知层次造成了筛选、过滤音乐认知过低，无法感知音乐区别的人群。
从感知层次上讲，写《梦中的婚礼》的理查德，永远不可能拥有音乐艺术话语权。不论他挣多少钱，都无法弥补他在感知层次上的缺憾。
等三十年后，贝多芬、莫扎特、肖邦的受众会越来越多，而理查德会被人遗忘。
中国有大量的音乐听众，会认为理查德是全世界最好的钢琴家。但实际上，全世界没有一个专业级钢琴演奏者会认为理查德和他们是同行。
说一个简单的认知性区别：流行音乐的听众耳中，只听得出doremi。而古典钢琴听众，知道一个八度有十二个音，而非doremi七个音。
感知层次是欣赏古典钢琴的门槛。如果你是一个流行听众，接下去的知识，可能有点超纲。
2：审美层次；评判核心。
先来基本的美感要求：有序性；有序性分为：整体布局、基层组织、声音品质；
声音品质：
1：对不对；（键程时值）
2：准不准；（音高对不对，琴键有没有按错）
3：美不美；（音色匀不匀称）
4：响不响；（音响程度，颗粒感）；
这四个维度，是一个专业级钢琴师的入门能力。
郎朗：在上述四个维度之中，做到了一个令人发指的地步，键程时值、音响程度、音色三个维度几乎拉满，琴键的错误，在英国演出之中具有一个错音。
这是二十年来，数百场演唱之中唯一可查的错音纪录。
2015年10月晚，李云迪在韩国首尔艺术中心音乐厅演出，在演奏《肖邦第一协奏曲》第一乐章时，李云迪出现失误，被迫停下来重新弹奏。
这样一句媒体报道看似不轻不重的言语，实际上其中的错误远比观众想象的大。
李云迪是在第424小节弹串的谱，本来应该是一串上行音阶，结果一下子跳到了448小节。简单说，李云迪忘记了24小节的铺子。这指挥直接懵逼，整个乐队都停了下来。
因为这24小节调都不同，居然还会弄错。李云迪发现弹错之后，一时紧张不知如何收场，后面都不知道如何接下去，最后居然又开始时光倒流到第325小节。回到一百节前。
李云迪从325小节开始弹，指挥再次懵逼，因为李云迪没有交流。不得已，指挥叫停了演奏，从第385小节重新开始。
这样的事故，和稀碎的临场反应，和乐谱积累能力，对于一个钢琴演奏家而言，几乎是说名誉扫地四个字都不足为过。而李云迪的应对，再度让他直接跌出国际能力的钢琴演奏家。
其实李云迪错音的次数，就在韩国首尔的前三点，就错了三次。
二十年错一回 VS 忘谱，中断演出，重新开始。
在钢琴演奏家的基本能力声音品质上郎朗就足以吊打李云迪。
李云迪的问题在于什么？在于练得太少。这种基本的声音品质，是需要良好的音乐练琴习惯才能得以维持。如果一天不练琴，就会生疏。三天不练琴，就会出错。
李云迪，不具备国际钢琴演奏家的能力。自从首尔出事后，他的国外演出大大减少。反而是在国内，凭借着他的颜值开始大量商业活动。因为还吃这一套。
钢琴结构基层组织针对的是，空间感衍生度，包含了纵向的空间衍生和平行感的纵向排列。
说得有点邪乎，其实很简单。他其实是基础声音品质的衍生。
纵向空间感对应着钢琴音色的颗粒度。横向的空间感对应着音色的匀称度；但是比音色品质要更细腻。
颗粒度主要体现在高音区。比如郎朗在《钟》之中的高音区力度指法。而音色的颗粒度对应着键程长短、踏板力度、击打速度。
这里涉及部分技巧性：延音长短对于力度的控制；
指甲盖和指肚的敲击琴键不同，对应着基层组织的控制。指甲盖的力度和指肚的肉感延音，在零点几秒之间，拥有对基层组织的能力表达。
整体布局：布局不是目的，丰富度和张力提供的内容度才是目的。音乐的布局能力，体现在衔接和区别能力。
郎朗 VS 李云迪；
以《钟》为例，当音乐的力量感出现时，那么他的衔接和内容度必定要比柔化听觉做出更多的可控方式。而他的柔化张力界限阈值，也远远大于他人。
钢琴家的音乐张力等于歌手的音域。我C3-C6的音域，你C3-G4的音域怎么比？我可以选择用不用G4，但是你只有G4。
单纯论郎朗的《钟》最后一段，和李云迪的最后一段。将两人的演奏画面遮住，单纯去倾听两人的音频。
去思考为什么郎朗的张力感会强、为什么单单听音频，你就能从音乐之中感受到郎朗在疯狂摇头、疯狂跺脚的画面感。而李云迪则是在满头大汗，好像一个拘谨的学生。
这是一个很难得的演奏家上限天花板。也是李云迪和郎朗的本质性区别。
表现层次，是要求演奏家将音乐化作为一个表演欣赏性的视觉效果转变。钢琴本身是不具备表现层次的，因为他只是一个发音的死物。
但是演奏家拥有表现能力，他弹钢琴时的一举一动都是这种表现层次的阐释。一个艺术家能拥有自己的风格，那将是天下最幸运的事情。恰巧，郎朗拥有。
不论是摇头晃脑，还是跺脚浮夸，这就是郎朗的风格，他从小这样。他的风格将音乐的表现层次，完美视觉化。
你再怎么排斥郎朗的浮夸，但是你不可否认的是，他投入的令人兴奋。这种对于音乐演奏本身的喜悦度和表演欲，才是郎朗的最大能力。
音程跳脱俏皮时，郎朗做鬼脸；
音程严肃紧张时，郎朗紧绷神情；
音响加大时，郎朗力度加大，身体开始摇摆；
音响减小时，郎朗蜷缩身体，开始表达小心翼翼。
这就是最好的音乐表达层次。将音乐的表达，通过自己的方式进行传递，进而弥补音乐的虚无化、主观化，进而转变为共性的客观化欣赏，这是每一个能在钢琴史留名的钢琴演奏家的必备能力。
李云迪，不曾拥有。
